Il Municipio di Agno, unitamente alla Commissione culturale, è lieto di condividere con il pubblico la mostra personale dedicata all’opera di Gianni Realini. Artista affermato nell’ambito pittorico e attivo anche come incisore, la sua produzione è stata esposta nei maggiori centri della Svizzera come pure a Bruxelles, Ulm fino a Tel Aviv, dove nel 1982 ha partecipato alla grande mostra itinerante mostra itinerante11 “Il disegno svizzero 70/80”, presentata in diverse città europee.

La mostra potrà essere visitata, senza necessità di riservazione, il giovedì e la domenica, dalle 16.00 alle 19.00, fino al 27 ottobre 2022.

Le visite avverranno nel rispetto delle disposizioni sanitarie vigenti.

Il Municipio di Agno, unitamente alla Commissione culturale, è lieto di condividere con il pubblico la mostra "Donazione Walter Brunner", che vede in esposizione opere dell'artista ricevute quale lascito a seguito della scomparsa della nipote.

La mostra potrà essere visitata, senza necessità di riservazione, il giovedì e la domenica, dalle 16.00 alle 19.00, dall’11 aprile fino al 16 dicembre 2021 (chiusura estiva ad agosto 2021).

Le visite avverranno nel rispetto delle disposizioni sanitarie vigenti.

Video Walter Brunner

Il Municipio di Agno, unitamente alla Commissione culturale, è lieto di condividere con il pubblico la mostra di Viviana Chiosi, artista nata e cresciuta in Ticino, che dal 1998 è attiva sulla scena artistica zurighese.
Diplomatasi allo CSIA nelle arti grafiche e dopo aver frequentato diversi corsi d’illustrazione a Sarmede in Italia, si cimenta nella realizzazione di opere pittoriche nelle quali si respira la contaminazione delle arti applicate.

La mostra potrà essere visitata, senza necessità di riservazione, il giovedì e la domenica, dalle 16.00 alle 19.00, fino al 16 dicembre 2021.

Le visite avverranno nel rispetto delle disposizioni sanitarie vigenti.

Video Viviana Chiosi

Questa nuova esposizione riprende il progetto di affiancare avvenimenti di carattere storico ad artisti contemporanei.
Da un lato Claudia e Carlo Bottini, collezionisti residenti ad Agno e da molti anni appassionati di arte sacra, e dall’altro Rosita Peverelli, artista meticolosa e polivalente che, oltre ad aver sviluppato un linguaggio scultoreo tendente alla sintesi formale, si è dedicata più volte, durante il suo percorso creativo, all’arte sacra.
 
L’unicità di questa collezione vede protagonisti una scelta tematica –i santi–, una tipologia artistica –la tecnica scultorea– e un materiale –il legno.
Rosita Peverelli fa un uso caleidoscopico dei materiali (la terracotta, il gesso, il marmo, la resina, il bronzo, il metallo e il plexiglass) per realizzare forme che tendono alla riduzione della materia fino all’essenziale.
 
Sono due universi discosti, addirittura opposti; l’uno immerso nella figuratività, l’altro nell’informale. Eppure, in un immaginario luogo più profondo si trovano delle assonanze di pieghe e di forme che scorrono nel solco della passione per la creazione d’arte e per il collezionismo.

Il progetto espositivo vede due protagonisti: Franco Cavani con sculture-totem e con la riproduzione di una quarantina di Kachina per rendere omaggio alla cultura indigena amerinda che vive in Arizona, e Leonardo Angelucci grafico e web designer, con dei manifesti sensoriali realizzati attraverso un'elaborazione digitale tramite sensori capaci di leggere le onde cerebrali. 

Attraverso il dialogo, si sviluppa così una riflessione sia sul piano storico che artistico. Entrambi di formazione grafica, si confrontano con esiti e mezzi diversi, riprendendo e giocando sugli stessi segni, che formano il filo conduttore della mostra.

Catalogo a fr. 5.-

In dieser Gemäldeausstellung zeigt Claudio Taddei einen umfangreichen Querschnitt seines Wesens als Maler und Musiker und erweist sich als wahres Multitalent.

Beim Betrachten seiner Bilder kann man die Rhythmen und Töne seiner Musik förmlich hören. Wer seine Musik hört, kann die Farben, Mischungen, Kratzer und Spuren seiner Gemälde nahezu vor sich sehen.

Es fühlt sich an, als sprengte sein explosives künstlerisches Wirken den Rahmen des Museums.

Hier wird ein Alleinstellungsmerkmal von Claudio Taddei sichtbar, das sich im Laufe seines Schaffens mehr und mehr ausgeprägt hat: seine Ablehnung von Klischees, dieser ihm innewohnende Freiheitsdrang, der keine Raster zulässt, sein Freigeist, der ihn immer wieder antreibt, sich gegen jene zu wehren, die versuchen, ihn einzuordnen, ob in ein Land, eine Kultur oder eine bestimmte Kunstrichtung, oder ihn zu einer Bewegung, einer Schule, einer Strömung zählen möchten. Kunst ist für ihn vor allem Ausdruck von Gefühltem, das auch eine Geschichte hat, sich aber in der Gegenwart manifestiert und verwirklicht. Es lässt sich ebenso durch Malerei wie durch Musik ausdrücken, um bei den beiden von ihm vorwiegend praktizierten Kunstformen zu bleiben. Ebenso kann es sich jedoch in Gedichten und Gesangsstrophen, oder auch in Worten und Sätzen äußern, die plötzlich beim Malen aus seinem tiefsten Inneren heraussprudeln und bisweilen umgehend auf der Leinwand festgehalten werden. 

Damit gehört er zu jenen, die die Künste als substanzielle Einheit betrachten, die umso echter ist, je mehr sie dem Inneren desselben Individuums entspringt, und dennoch die Poetik zahlreicher Kunstbewegungen und -gruppen, insbesondere im 19. und 20. Jahrhundert, inspiriert hat. 

Katalog: 5.- Fr.

Fabiola Quezada, Malerin mexikanischer Herkunft, die in Lugano lebt und arbeitet, ist es gelungen, in ihren Werken die bedeutende Tradition der grossen mexikanischen Meister wie Siqueiros, Rivera und Frida Kahlo zu bewahren, gleichzeitig aber die vorwiegend in Erdtönen gehaltene Farbgebung mit leuchtenden und schwingenden Farben zu bereichern. 

Die Ausstellung befasst sich ausschliesslich mit ihrem Schaffen zum Thema Blume: eine vertiefte Betrachtung der Veränderungen des genetischen Erbes. Eine Wandlung, der die Pflanzen unterliegen und die über ihre natürliche Schönheit hinaus geht: die sie verwandelt, hervorhebt, zu voller Geltung kommen lässt – manchmal auf unbemerkte Weise. 

Nichts anderes ist die Blume als das Sinnbild einer zerbrechlichen Schönheit, stets am Rande des Verderbens: wie die des Lebens selbst, mit allen ihren Reizen aber auch ihren Dornen.

Katalog: 5.- Fr.

Das Schaffen von Carlo Salis äussert sich in Werken, welche die Skulptur in gewisser Weise zu einem Bühnenbild werden lassen, auf dem sich verschiedene Elemente bewegen, die zu möglichen Erzählungen zwischen Traum, Fantasie, aber auch Realität anregen.

Wo man auch das Gefühl hat, den fröhlichen Lockruf der Musik vernehmen zu können: schwebende Notenlinien, Achtel- und Sechzehntelnoten, Violinschlüssel oder -griffe, barocke Locken, zusammen jedoch mit geheimnisvollen Schriften, Klammern, die Reden eröffnen und beenden, Wasserläufen, Sternen, eigenartigen organischen Elementen in Schlangen- oder Spiralform.

Traditionsbeladene Elemente, reich an symbolischem Potential, die es vermögen, auf das Endliche und das Unendliche, auf die Materie aber auch auf den Geist und die Vernunft anzuspielen, auf das Verrinnen der Zeit, den Verlauf der Jahreszeiten, aber auch auf die Ewigkeit.

Dennoch gibt es innerhalb ihrer Vielfalt und verwurzelten Festigkeit einen gemeinsamen Leitfaden, der sie alle verbindet: die Leere dominiert die Fülle, die Linie das Volumen, die Farbe die Masse, die Abstraktion die Gegenständlichkeit.

Im Gegensatz zur herkömmlichen Skulptur ist jene von Salis also grundsätzlich antimateriell und antimonumental: sie neigt nicht zur Leere, sondern zur Erleichterung und zur Heraufbeschwörung, mehr zur Verzauberung und zur Stille als zur Behauptung, mehr zum Blick als zur Handlung.

Katalog: 5.- Fr. 

Flavia Zanettis Ausstellung ist nicht eine Ausstellung im klassischen Sinne, sondern vielmehr eine Installation, die eigens für diese Räumlichkeiten entwickelt wurde, wo jedes einzelne Stück zu einem einheitlichem Ganzen beiträgt: angefangen bei dem, was dieser Ort ist und darstellt.

Für sie bedeutet ihr Beitrag im Museo “plebano” (ein geschichtsträchtiges Adjektiv, denn es verweist auf die Zeit der Christianisierung im subalpinen Raum), die viele Jahrhunderte alte Geschichte einer Pfarrei als Hintergrund ihrer Arbeit zu berücksichtigen, die Geschichte eines Volkes, das hier gelebt und in diesem Gebiet – der Pfarrei mit ihrer Hauptkirche – wichtige Momente  sowohl des christlichen, als auch des zivilen Lebens geteilt hat: von der Taufe bis zum letzten Abschied.

Es bedeutete aber auch, an die unendlichen vielen Durchreisenden zu erinnern (vom Wanderer bis zum Pilger, den Franken, den Langobarden, dem General Suvarov mit seinen Truppen). Agno war nämlich eine wichtige “Station” für alle, die seit dem hohen Mittelalter die alte “Strada Regina” zwischen Ponte Tresa und Magadino über Vedeggio und den Monte Ceneri gingen. Die Moderne hat hat sie fast vergessen, sie an der Rand unserer verkehrsreichen Straßen verbannt und langsam verfallen lassen; an verschiedenen Stellen verliert sie sich auch.

Wer heute hier entlangkommt, kann jene Vergangenheit nicht ignorieren; aber es kann auch passieren, dass andere Horizonte und andere Straßen, auch sehr ferne, auftauchen oder sich in schneller Überblendung überschneiden und so Kurzschlüsse kreieren, die mögliche Analogien schaffen.

Das Gestern vermischt sich mit dem Heute, unsere Gegenwart mit einer anderen Gegenwart und unseren alten Straßen nähern sich andere Straßen: nicht verbundene Schotterwege, die das nördliche  Afrika durchqueren, um im Mittelmeerraum anzukommen, mit staubigen Lastwagen, die an Menschenschlangen längs dem Straßenrand vorbeirasen.

Menschen errichten Mauern - reale und im Kopf - gegen das, was anders ist und stört, aber dennoch menschlich ist. Und dabei vergessen sie sogar die eigene Geschichte jahrhundertelanger Emigration. Vor diesem Verhalten wird Zanettis Arbeit Reflexion über die Welt, von der wir – vielleicht auch gegen unseren Willen – Zeugen sind und sie bezieht uns ein und stellt uns Fragen.

Der Wunsch der Künstlerin ist, dass die Menschheit bald aus dieser Hölle heraus kann und “wieder die Sterne sieht”, und dass so jeder Mensch die Möglichkeit hat, einen eigenen Weg zu sehen und zu gehen.

Katalog: 5.- Fr. 

Die Kunst der Malerin Simonetta Martini, die in Curio im Licht und der Stille ihres Ateliers arbeitet, passt gut in die Räume des Museo Plebano. Es entsteht ein Dialog, der sofort dem Betrachter in seinem innersten Potential vermittelt wird. 

“Es gibt eine Kunst, die auf dem Wellenspiegel im Augenblick der Gegenwart lebt: sie bewegt sich schnell und leicht in der Echtzeit, im Wechsel der Zeiten, des Windes und der Stürme, der Stile und der Mode. Es gibt aber auch eine andere Kunst, die woanders hinschaut, die kommt aus weiter Ferne und erweckt Gefühle, die aus alten Meeresgründen aufzutauchen scheinen.

Zu dieser Art gehört Simonetta Martinis Malerei. Sie befreit das Bild von jedem überflüssigen Element, um das Wesen herauszukristallisieren, das auch Fehlen sein kann und es in eine Empfindung verdichtet, “so dass das Bild dem eigenen Gefühl treu wird.” Ihre Kunst birgt in sich das Gefühl eines Wartens, eines ständigen Strebens nach etwas, das weiter weg liegt, aber manchmal auch ganz nah ist: die erstaunliche Faszination der Natur, die zahme Geduld der wilden Bisons in der langen Schneeezeit, die Natürlichkeit des Lebens und das fröhliche Zusammenleben von Männern, Frauen und Tieren, die Idee der Kontinuität und des zyklischen Ablaufs, das gemeinsame Streben nach unbekannten Ländern, die vielleicht neue Weiden und Gräser versprechen.

Dort scheinen sich  Zeit und Raum aufzulösen. Das ist die Schwelle zu der uns Simonetta führt: an der sich Altes und Neues und Ewiges ständig erneuern”

Katalog: 5.- Fr. 

Der aus der Deutsch-Schweiz stammende Künstler Andy Wildi, der in jungen Jahren ins Tessin zog, hatte bisher wenig Raum in der Tessiner Kunstszene, während sein Ausstellungs-Curriculum in der Deutsch-Schweiz dicht und renommiert ist.

Unsere Region mit ihrem Licht und natürlichen Anregungen, ist eine unverzichtbare Muse und eine unausschöpfbare Inspiration für seine Arbeit, die auf einen höchstpersönlichen, metaphysischen Realismus zurückgreift, der mit Meisterschaft zum Ausdruck kommt.

Die Szene seiner Bilder ist essenziell, kahl, still. Menschen kommen so gut wie nie vor, aber man ahnt sie in der  perspektivisch gezeichneten Architektur der Innenräume, die das Gefühl der Einsamkeit des modernen Menschen hervorheben. 

Alles ist ganz klar, aber auch regungslos, statisch und blockiert, als ob man sich nicht nur außerhalb der Zeit, sondern auch außerhalb des Menschlichen befände. Und doch erzählen uns Sessel, Stühle und Tischchen, Fenster und kleine Billardtische, die auf den Meerespiegel blicken, Plakate, Schilder und Bilder an den Wänden oder Hausmauern, Fahrräder, die an Hauswänden und Wagen lehnen, die verschlossen sind... alles spricht mit uns und erzählt, vom Menschen, der in diesen Räumen lebt und sich bewegt, jedoch nie von diesen Bildern festgehalten wird, trotz all der Indizen seines Durchgangs. In diesen Orten dominiert ein Gefühl der Entfremdung oder einer Leere, die durch den Gegensatz mit der Helligkeit der Pastellfarben und der Unendlichkeit des an den Himmel grenzenden Meeres noch betonter wird.

Der surreale und melanchonische Zauber Andy Wildis' Bilder fügt sich sehr gut in die strenge Aechitektur des Museo Plebano. Seine Werke veranlassen den Betrachter, sein eigenes Erlebte und den Sinn des alltäglichen Lebens zu hinterfragen. 

Katalog: 5.- Fr. 

Eine Ausstellung des abstrakten, lyrisch-geometrischen Künstlers holländischen Ursprungs Hermanus van der Meijden, der im Unteren Malcantone gelebt und gearbeitet hat. 

Wie ein Eremit mitten in den Wäldern von Iseo, engst mit der Natur verbunden, schöpfte “Hermanus” aus ihr ständige Anregungen, um sie innerlich zu verarbeiten, bis er die formelle Wesentlichkeit seiner Kunst erreichte.

Er verfolgte nicht eine makellose, fast körperlose und potenziell absolute Abstraktion, den Spiegel einer transzendenten Kunstauffasung sowohl in ihren theosophischen, als auch mathematischen Bestandteilen: Formen purer geometrischer Strenge gemacht mit Lineal, Zeichendreieck und Zirkel,

fern von körperlicher Regung und dem Lauf der Zeit. Weder unregelmäßsige dick aufgetragenen Farbe, noch sichtbare vom Pinsel hinterlassenene Spuren, noch weiche von Hand gezeichnete gewundenen Linien, die sich nach und nach auf der Oberfläche ausbreiten, indem sie die Leinwand einnehmen.

In den Bildern von Hermanus findet man keine Formen, die an Elemente der Natur oder an antropomorphe, organische  Stilisierungen erinnern. Die freie Linie schafft das Bild. Ihn interessiert nicht das Detail, sondern das Ganze, die Komposition in ihrer Gesamtheit, aus Linien, Formen und Farben. Dynamik oder Statik. Scharf, kantig und spitz oder abgerundet und stumpf oder auch beides zusammen. Sie gehen auf den Betrachter ein oder sind sich selbst genug. Auf das Essentielle  reduziert mit nur einer Linie, die wenige Elemente hervorbringt oder beladen ist von vielen immer dichter werdenden Elementen, die den Raum füllen.

Hermanus' Malerei ist eine progressive Erkundung aller malerischen Formen auf der Suche nach einer möglichen Synthese, einer vollendeten und harmonischen Organisation. Alles geht vom Zeichen aus - sei es fest von seiner Hand geführt oder je nach dem momentanen Gefühl freien Lauf gelassen - das auf der Suche nach einer Form, nach einer Einheit des Bildes Linien zieht, in denen der Künstler wieder einen Teil seiner selbst findet, etwas, was für ihn vereinbar und ihm treu ist.  

Nach der Freiheit des ersten Zeichens und der ersten Farbe müssen sich dann alle weitere Linien und Farben in wechselseitiger Beziehung richten. Hermanus' Kunst liegt in dieser Suche nach einer wechselseitigen Beziehung, die anscheinend ohne Gesetz ist, jedoch in Wirklichkeit ihr Gesetz in der Einheit festlegt.

Eine strenge, abstrakte Kunst scheuend, bewahrt Hermanus auf der einen Seite die Dimension der Körperlichkeit in der Vergänglichkeit, auf der anderen Seite das lyrische und subjektive Wesen eines Mannes, der im Malen wie in seinem Leben auf der Suche nach seiner Harmonie war.

Katalog: 5.- Fr.

Der Züricher Walter Wilhelm Brunner (1900-1971) hatte Cassina d’Agno über vier Jahrzehnte lang zu seinem Wohnort erkoren. Er hat uns bedeutende Spuren seines Wirkens nicht nur in der Malerei, sondern auch in seinen philosophischen Studien, astronomischen Beobachtungen und der Vertiefung politischer Themen hinterlassen.

Eine vielseitige Persönlichkeit, die in der Gegend um Agno aber auch im Verzascatal künstlerische Anregungen fand: vom den Ruhe auströmenden Gewässern bis zu den unwegsamen Bergen (seine Asche wurde in den Bergen von Brione Verzasa verteilt) immer auf der Suche nach Themen, die ihm seine sensible Seele eingab.

In seinen Bildern finden wir den Ceresio, Neggio, Corippo und auch eine Litografie von Cassina d’Agno von 1940, die der Kunstkritiker Ottorino Villatora, der ihn sehr schätzte beschrieb: “eine fast fotografische Wiedergabe, die Brunners außergewöhnliches zeichnerische Können zeigt, der alles im kleinsten Detail wiedergibt: die zusammengedrängten Häuser (...), die Baumreihen, die Schattenfransen, die Fensteröffnungen, die verschiedenen Hügel”. Der Hinweis auf die Botschaft an die Nachfahren “aus der liebevollen Hand seines treusten Bewohners” ist nicht nur eine Anerkennung des künstlerischen Können Brunners, sondern auch seiner vollen Identifizierung mit dem Ortsteil unserer Gemeinde.

So sehr, dass der «piturel» (Maler), wie ihn die Leute mit großem Respekt nannten, auch in abgeschiedener Umgebung, sich den großen Meistern der Farbe “in einem Höchstmaß an Einfachheit und Fülle” nähern konnte.

Katalog: 10.- Fr. (in der Gemeindekanzlei erhältlich, solange der Vorrat reicht).

Mit dieser Ausstellung möchte die Gemeinde Agno einen seiner berühmtesten, aber auch unglückseligsten Mitbürger erinnern. Das kurze Leben von Jean Corty (Giovan Battista Corti, geboren am 1. März 1907, gestorben in Mendrisio am 22. April 1946) gehört zu den gequältesten aber auch offenbarendsten und faszinierendsten in der Darstellenden Kunst der Schweiz des 20. Jahrhunderts.

Corty ist in der Italienischen Schweiz wahrhaft nicht unbekannt, aber trotz vieler Ausstellungen und obwohl es nicht an Liebhabern und Sammlern fehlt, überrascht er uns immer wieder. Im künstlerischen Urteil spielen noch zu oft Gemeinplätze über seine “unbeständige” Biografie eine Rolle. Sie heben sein Leben hervor, (er kam immer wieder ins Irrenhaus) statt das ganz Neue in seiner expressionistischen und existentialistischen Malerei zu sehen, die er Ende der Dreißiger Jahre ins Tessin brachte. 

Die Ausstellung im Museo Plebano zeigt etwa 60 Bilder und Zeichnungen in Öl und Zeichenkohle. Die Werke wurden nach der Größe und Besonderheiten der Ausstellungsräume gewählt. Es sind einige der bekanntesten Bilder von Jean Corty (Stillleben, Landschaften, Seestücke, mit denen er auch einen minimalen Geschäftserfolg hatte) aber vor allem Bilder, die die Menschen und ihre Darstellung zum Thema haben, die innovativsten und bemerkenswertesten Bilder des Künstlers. Erlittene, intime Werke, die  zum Nachdenken über die menschliche Natur, ihre existentielle Dramatik und Vergänglichkeit und die Beziehung zu Gott anregen.

Katalog: 10.- Fr. (in der Gemeindekanzlei erhältlich, solange der Vorrat reicht).

Die Ausstellung zum 100. Geburtstag des Malers und Aquarellmalers Giordano Passera (Cassina d’Agno 1906 - Lugano 1960) mit etwa 50 mit verschiedenen Techniken ausgeführten Werken, die von seinen Erben und aus verschiedenen Privat-Kollektionen stammen, ist die erste große Retrospektive nach seinem Tod vor über 40 Jahren.

Giordano Passera malte Landschaften und Stillleben. Er war ein feiner Aquarellmaler und figurativer Künstler, der sich im lombardischen Naturalismus gebildet hatte. Seine meist im Freien im Malcantone entstanden Werke (Dorfansichten, der See, Häuser), bekamen in den Dreißiger Jahren nach mehreren Aufenthalten in der venezianischen Lagune in Chioggia und Venedig neue Farbtöne. Denn ihn faszinierten die tausendfachen Farbmöglichkeiten des reflektierten Lichtes im Wasser und in der Landschaft.

Die Ausstellung vergegenwärtigt den künstlerischen Werdegang von Giordano Passera ab der zweiten Hälfte der Zwanziger Jahre, als der Künstler – nach seinen Studien an der Accademia Albertina und der Scuola San Carlo in Turin – zurück ins Tessin kehrte und begann seine so charakteristischen Landschaften zu malen. 

Katalog: 10.- Fr. (in der Gemeindekanzlei erhältlich, solange der Vorrat reicht).

In den Werken von Nena Airoldi fällt uns als erstes die formelle Eleganz auf. 

Die Skulpturen sind mit ihren linearen Umrissen, mit ihren großen Oberflächen und Volumen, die sich ergänzen und harmonisch überschneiden oder treffen, wie Melodien. 

Doch dies ist nur der erste Eindruck.

Was Nena Airoldi uns vermitteln will erweist sich als profunde, wenn wir nach anfänglicher Faszinierung solch ausgefeilter Klarheit das Werk in seiner Tiefe betrachten. Denn dann offenbaren sich die Geheimnisse der Ähnlichkeiten und Metaphern. Eine humane, moralische Welt, die unserer Intuition durch eine visuelle und räumliche Empfindung begegnet. Zunächst ein Bild des menschlichen Lebens als dymamische Komposition und zwar als Synthese zwischen Gegensätzen, die eng miteinander verbunden sind. Sehr oft bestehen die Werke aus einer horizontalen Basis, auf der zwei gegensätzliche Elemente ruhen: zwei fast Muschelschalen, zwei Steinscheiben, eine aus hellem und eine aus dunklem Stein; ein Monolith aus rotem Granit, der dank eines Schnitts oder einer vertikalen Spitze zu zwei kontrastierenden Teilen wird. Und noch andere Kompositionen. Dann ein Bild vom Leben als ewiges Risiko, dominiert von ständiger Aufsicht, von einer feinen und intensiven Achtsamkeit, von einer inneren Kontrolle: die Gefahr in jedem Augenblick zu fallen. Doch diese Gefahr wird überwundenen und gelöst in der Darstellung eines beweglichen Gleichgewichts. Fest im Granit oder im Stahl verankert wird es  ein stabiles Gleichgewicht, eine Vehaltensweise, Selbstbeherrschung.

Dialektische Gegenüberstellungen; schwieriges und erobertes Gleichgewicht; zu einer Synthese gebrachte beherrschte Komplexität. Diese drei Eigenschaften der menschlichen Dynamik begegnen uns als erstes in Nina Airoldis Skulpturen. Andere Eigenschaften sind voraussehbarer, jedoch genauso notwendig. Die Festigkeit, die sicherlich vom Granit und dem Stahl erweckt wird. Die formale Eleganz ist das Ergebnis einer ständigen Disziplin, die sich in der glatt geschliffenen Bearbeitung mit perfekten Oberfächen ausdrückt. Das Licht, die Leuchtkraft.

Die Skulpturen von Nena Airoldi sind der Ausdruck einer scharfen Beobachtung und Stärke, Bangen und Bezähmen. Interesse für die menschliche Zerbrechlichkeit und für alles, was sich bewegt, Energie in sich vor den Dingen stellen, Sensibilität, Dankbarkeit fürs Dasein. Schöpfung und ihre Botschaft.

(aus der Einführung von Giuseppe Curonici)

Katalog: 10.- Fr. (in der Gemeindekanzlei erhältlich, solange der Vorrat reicht).

Sigi Schuhmacher (1941), in Agno tätig und im Tessin vor allem durch seine Werbe-, Architektur- und Kunstfotos bekannt, stellt das Ergebnis seiner geheimen Leidenschaft vor: Portraits.

Im Frühjahr 1999 hat Schuhmacher, der schon lange dieses besondere Projekt verfolgte, 65 Frauen und Männer, die im Malcantone leben und arbeiten, sowohl aus seinem beruflichen, wie  auch aus seinem privaten Leben bekannt, gebeten, in seinem Fotoatelier in Agno für ein Portrait zu sitzen.  Diese Portraitserie zeigt Menschen verschiedenen Alters, sozialer Herkunft und Berufe.

Die selben Lichtbedingungen, der selbe Raum, ähnliche Ausschnitte heben in den schwarz-weiß Fotos die einzelnen Persönlichkeiten hervor.

Die aufmerksame und sensible Arbeit in der Dunkelkammer von Inge Schumacher, der Frau von Sigi, hat den Bildern den letzten Schliff gegeben. 

Die Portraits, 40x40 cm, sind auf einem Spezialpapier gedruckt, Die dynamische Schrift von Gabriella Carbognani bereichert das Resultat und gibt den einzelnen Gesichtern ihren Namen.

Es gibt noch viele weitere, interessante Fotoausstellungen, die die Vergangenheit dokumentieren. Ihr Thema sind fantastische Länder und Menschen anderer Kulturen.

Da man Schönheit nicht nur in der Ferne suchen muss, hat Sigi Schuhmacher es vorgezogen, uns Menschen von heute und hier, die uns nahe stehen, zu zeigen.